Va de cine

A la muerte de su padre, el rey Jorge V (Michael Gambon), y tras la escandalosa abdicación del rey Eduardo VIII (Guy Pearce), Bertie (Colin Firth), afectado desde siempre de un angustioso tartamudeo, asciende de pronto al trono como Jorge VI de Inglaterra. Su país se encuentra al borde de la guerra y necesita desesperadamente un líder, por lo que su esposa Isabel (Helena Bonham Carter), la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue (Geoffrey Rush). A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable.

Avanzada la noche, en una carretera rural, Tun y Jane atropellan accidentalmente a un misterioso peatón. Huyen de la escena y regresan a su quehacer cotidiano en Bangkok. Sin embargo, algunos fenómenos sin explicación empiezan a convertir su vida en una pesadilla constante. Jane se ve asediada por terribles sueños. Tun, fotógrafo de profesión, percibe extrañas figuras espectrales que empiezan a aparecer en sus fotografías. Cuando deciden regresar al lugar del accidente para investigar, no queda ningún rastro de la víctima ni noticia alguna sobre su desaparición o sobre el descubrimiento del cadáver. Sin embargo, uno a uno, van muriendo los amigos más próximos de Tun. Tanto él como Jane saben muy bien que deben resolver este misterio antes de que sea éste el que destruya sus propias vidas.

Shutter  (2004)

Director: Banjong Pisanthanakun, Parkpoom Wongpoom
Guión: Banjong Pisanthanakun, Sopon Sukdapisit, Parkpoom Wongpoom
Música: Chartchai Pongprapapan
Fotografía: Niramon Ross
Reparto: Ananda Everingham, Natthaweeranuch Thongmee, Achita Sikamana, Unnop Chanpaibool
Duración: 97 min

Tráiler

El final de esta peli te pone los pelos de punta  

ran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial.

'La naranja mecánica' es una de esas escasas películas de las que se puede decir que han hecho época. Después de más de treinta años de su estreno, aún sigue suscitando polémica y haciendo correr ríos de tinta. Esto podría ser significativo en el caso de otro director, pero tratándose de Kubrick no es algo que llame demasiado la atención, pues su filmografía estuvo abocada desde muy temprano al escándalo. 'Senderos de gloria' (1957) fue la película que le dio nombre, pero también le generó fricciones con el gobierno francés, que prohibió su exhibición hasta hace bien poco. Con posterioridad tuvo que superar los obstáculos de la censura con 'Lolita' (1962), para ya en el ocaso de su vida lidiar con idéntica traba con 'Eyes Wide Shut' (1999), su obra póstuma.

Con eso y con todo, 'La naranja mecánica' fue la película que más problemas le causó. Es bien sabido que hasta ayer, como quien dice, no se estrenó en Inglaterra. La Warner Bros., productora del filme, tuvo que renunciar, a petición de Kubrick, a su exhibición y distribución en dicho país, puesto que el director había recibido amenazas de muerte que le comprometían a él y a su familia, que ya por aquel entonces vivían en suelo británico. Estas amenazas se unieron a unos extraños rumores según los cuales el IRA quería atentar contra él mientras filmaba 'Barry Lyndon' en tierras irlandesas, contratiempo que modificó sustancialmente sus planes de rodaje, obligándole a buscar otras localizaciones.

Por si fuera poco, la violencia que impregna algunas de las secuencias más célebres de la película sirvió de inspiración para que muchos grupos de adolescentes descerebrados emularan las correrías de Alex y sus drugos, emprendiéndola a golpes con mendigos y buscando carne fresca con que satisfacer su perturbada libido. Aún hoy, cuando aparece un vagabundo apaleado, en los informativos se busca la explicación en las, según ellos, nocivas influencias de 'La naranja mecánica'. Huelga decir que es bastante triste que se siga recordando a esta magnífica película por las acciones que unos desaprensivos –que, no nos engañemos, si no hubieran visto el filme habrían cometido de igual modo sus tropelías– llevaron a cabo fascinados por la obra de Kubrick. El mal no necesita de ninguna excusa para manifestarse, y resulta muy cómodo para los políticos hacer recaer las culpas en una película o en un videojuego cuando son ellos, nuestros próceres, los que deben educar en el civismo y en el respeto a esta sociedad descarriada.

El debate que suscita 'La naranja mecánica' está ligado a la idea de la violencia como factor estético. Kubrick, un maestro en el manejo de la cámara, dotó a sus planos de una poderosa expresividad y belleza por medio de recursos bien medidos como el gran angular, el zoom out, la cámara subjetiva y el montaje acelerado o el ralentí, a los que habría que añadir su facilidad para encontrar el encuadre óptimo. La música también contribuyó a este efecto. Piezas como 'La urraca ladrona', de Gioacchino Rossini, o la 'Obertura de Guillermo Tell' –esta última con los arreglos de Walter Carlos–, crean en el espectador la sensación de estar presenciando una coreografía. Esto se ve con total nitidez en la secuencia del enfrentamiento entre las bandas de Billy Boy y Alex de Large. Al comienzo de la misma la cámara hace una lenta panorámica de arriba abajo mostrándonos un teatro abandonado; clara alusión al tragicómico espectáculo que veremos a continuación.

¿Debe ocuparse el cine, como arte que es, de los aspectos más oscuros e irracionales del ser humano? Yo creo que sí, y por eso estoy en contra de aquellas opiniones taimadas e hipócritas que abogan por ocultar la naturaleza más perversa del hombre. La única manera de llegar a comprender la psique es estudiar la amplitud del comportamiento humano, y para ello es imprescindible analizar la maldad. Sólo así podemos avanzar en la búsqueda de unas bases que mejoren nuestra convivencia. Un niño necesita que le digan qué es lo que está bien y qué es lo que está mal. La ambigüedad, el relativismo moral tan afín a esta época de decadencia en que vivimos es el mayor enemigo del respeto. En este sentido, son muchos los críticos que han querido ver una continuación entre el último plano de '2001: Una Odisea del Espacio' y el primero de 'La naranja mecánica', convirtiéndose de este modo Alex en una prolongación del feto de las estrellas. Me parece una hipótesis plausible, por cuanto que el bebé es, según Nietzsche, el último escalafón del hombre, y Alex representa en la sociedad en la que vive el ser más desarrollado. Ese bebé del que hablaba el filósofo de Röcken era superior porque estaba aislado en su placenta de cualquier influencia del entorno. Sólo empezando de cero se puede crear algo nuevo. Arthur C. Clarke va más allá, y deja entrever que ese feto destruirá la Tierra. Por lo tanto, el ser humano tiende irremisiblemente al mal, y así es como llegamos a Alex, un adolescente malcriado por unos padres abúlicos desconocedores de las fechorías que comete su hijo por las noches. Se suele considerar que estas dos películas, junto con 'Teléfono rojo, ¿volamos hacia Moscú?' (1964), forman una trilogía de la lucha entre el hombre y sus creaciones. Kubrick rodó las tres de forma consecutiva, ya que le obsesionaba la idea de cómo el hombre estaba tan capacitado para crear vida como para destruirla.

'La naranja mecánica' es, indudablemente, una película pesimista, como todas las de su autor. Alex expía sus pecados y padece en su propia carne y de manos de sus víctimas los castigos que les ha infligido, pero esa dolorosa experiencia no le lleva a replantearse su nefario comportamiento, sino que le reafirma en su malos hábitos. El único modo de que deje de hacer daño es emasculando su libre albedrío. ¿Está justificado aherrojar la voluntad de un individuo si con ello se evita que actúe mal? Ésa es la pregunta principal que suscita la película. Mediante el tratamiento Ludovico se consigue que Alex sienta náuseas cada vez que le agita el irrefrenable deseo de empecer a alguien. Kubrick muestra su rechazo frontal ante la privación de la inalienable capacidad de elección asociando la 'Novena Sinfonía' de Beethoven al tratamiento. Alex, con su apremiante necesidad de abandonar la cárcel, se ofrece de cobaya a unos experimentos conductistas que le transforman en una suerte de perro de Paulov. Tanto el ministro del Interior del Gobierno en funciones como la oposición juegan con él hasta convertirlo en un muñeco roto. Sólo el capellán de la prisión se preocupa por él, pues para los demás no es más que un instrumento. En la sociedad de 'La naranja mecánica' todos los personajes, excepto éste, son pragmáticos e interesados. No hay diferencias entre los gerifaltes emperifollados y los delincuentes astrosos: cada cual busca su provecho utilizando a los demás de una forma execrable.

Una de las mayores virtudes de la película es su capacidad para hacer que el espectador se sienta identificado con el protagonista. Para ello Kubrick utiliza de manera inmejorable la voz en off, uno de sus recursos preferidos en la década de los setenta, donde quiso experimentar con la figura del Deus ex machina –en 'Barry Lyndon' se aprecia mejor–. Para potenciar este efecto quiso que la narración fuera una confidencia de Alex al espectador, en la que busca su apoyo y comprensión con una retórica zalamera que, en definitiva, constituye la única nota de alejamiento con respecto a tan singular personaje. Por lo demás, resulta sorprendente cómo, a medida que transcurre la historia, uno llega a sentir lástima por un ser tan abyecto. En cierto modo, esto es así porque sus congéneres no son mucho mejores que él. Al menos en el caso de Alex se observa una fidelidad a sus principios, una sinceridad hacia sí mismo que contrasta con la de sus drugos, que a la postre acaban encontrando un puesto en la policía; hecho que demuestra a las claras el nivel de corrupción inherente a la clase política. Las miradas que a menudo dirige el protagonista a cámara, como cuando se dispone a violar a la mujer del escritor –Adrienne Corri, que también fue la diseñadora del vestuario– cantando 'Singing in the rain', logran una mayor complicidad entre espectador y personaje, puesto que nos hace partícipes –me atrevería incluso a decir cómplices– de sus iniquidades.

La banda sonora juega un papel fundamental en 'La naranja mecánica'. Kubrick fue un maestro a la hora de sugerir a través de la música. Para él era un elemento expresivo de primer orden, tal como la iluminación o la fotografía. A modo de ejemplo, conviene citar el excelente uso que hizo del Lacrymosa del Réquiem de Mozart en 'Eyes Wide Shut' para dar a entender que se había producido una muerte antes de que el doctor Hardford (Tom Cruise) lo leyera en las páginas de un periódico. Esta película, menospreciada por muchos, tanto admiradores de la obra del que fuera fotógrafo de la revista Look como confesos detractores, es un manual de estilo sobre cómo expresar estados de ánimo mediante la iluminación: los tonos cromáticos azulados sugieren frialdad mientras que los tonos ocres transmiten la sensación de calidez. Kubrick seguía al dedillo las teorías de la Gestalt.

Alex es un melómano de pro, y su devoción por el divino Ludwig van contrasta de raíz con su connatural inclinación a la violencia. Esta paradoja es tanto más palmaria por cuanto que a la 'Novena Sinfonía' de Beethoven se la conoce como el 'Himno a la alegría', asociándosele unos valores de paz y armonía, justo la antítesis de lo que anhela el perturbado protagonista. A Kubrick le encantaba explorar el plano del subconsciente, y esta película es buena prueba de ello. Una vez más, los científicos que experimentan con el inofensivo Alex demuestran tener tan pocos escrúpulos o menos aún que éste al vincular la música del compositor nacido en Bonn con imágenes del Tercer Reich. A diferencia de la novela en que se inspira, en el filme el protagonista sólo manifiesta interés por Beethoven, lo cual hace que sea más vehemente este oxímoron.

Entre la novela de Anthony Burgess y la adaptación de Kubrick hay varias diferencias notables. La más llamativa de ellas es la que se refiere al polémico capítulo XXI, que el director neoyorquino decidió no incluir en la película. Este hecho ha generado infinidad de interrogantes. El capítulo de marras, epílogo de la novela, mostraba la reinserción de Alex en la sociedad. Pasados esos años de rebeldía y brutalidad, el protagonista se cuestiona el sentido de su vida y decide ir por el buen camino y formar una familia, como todo hijo de buen vecino. Da la casualidad de que este capítulo no figuraba en los primeros ejemplares que se distribuyeron en EE.UU. –parece ser que a la editorial que compró sus derechos no le gustaba–. Así pues, Kubrick no tuvo acceso a él en un primer momento. Empero, una vez que decidió adaptarla debió de leerlo, pues se reunió con Burgess en más de una ocasión. Parece evidente que este final idílico tampoco era del gusto del genial director, cuya visión de la sociedad no cuadraba mucho con un desenlace tan inverosímil y happy ending. En verdad, resulta poco creíble esa evolución del personaje, habida cuenta de la demencia manifestada en su época de excesos.

La edad es otra de las diferencias entre novela y película. En este caso la divergencia tuvo que ver, no ya con un criterio del director, sino con un imperativo legal. En el libro Alex tiene quince años, mientras que en el filme no aparenta menos de veinticinco. Era imposible que un actor de esa edad encarnase a un personaje tan comprometedor como éste –las escenas de violaciones y sevicias lo impiden–; también por lo que se refiere a las dotes interpretativas que requería. A pesar de este cambio, la película no se resiente en nada, y buena parte del mérito fue de Malcolm McDowell, que cuajó una gran actuación y cumplió a la perfección con las exigencias de Kubrick. A mi modo de ver, compuso una de la interpretaciones más brillantes nunca vistas, en la línea de John Malkovich como el vizconde de Valmont o Rutger Hauer como el replicante Roy Batty. Su dedicación fue tal que casi perdió la vista rodando las secuencias del tratamiento Ludovico –en las que un médico le instila colirio en los ojos abiertos de par en par a causa del estiramiento de los párpados–. También aportó sus propias ideas al guión, como la de cantar 'Singing in the rain' mientras golpeaba con saña al escritor y se preparaba para violar a su mujer. Esto lo improvisó en un ensayo, y a Kubrick le gustó cómo quedaba –era dar una vuelta de tuerca más al extraño maridaje entre violencia y música–. Malcolm McDowell se sintió muy unido a él durante el tiempo que duró el rodaje. En los interregnos solían jugar al ajedrez –juego preferido del director, en el que era un experto– y al ping-pong. Una vez acabado el rodaje el cineasta no quiso saber nada del actor, y esto le causó un hondo pesar. Nunca comprendió por qué se distanció de esa manera. En este punto es preciso decir que Kubrick tenía una visión muy pragmática de los actores, a los que consideraba una pieza más dentro del engranaje que constituía cada una de sus obras. Podía ser cruel con ellos, y de hecho lo era –si no, que se lo pregunten a Shelley Duvall–, pero él era el primero en sacrificarse para llevar a cabo sus proyectos. Lo daba todo por el arte al que se dedicaba, y eso es lo único que le debe exigir a un creador. La obra está por encima de quienes la integran.

La última diferencia tiene que ver con adaptación del lenguaje nadsat, una jerigonza con claras influencias eslavas creación de Burgess, que se hizo grosso modo, pues la novela precisa de un pequeño diccionario sin cuya lectura no se pueden entender los diálogos. Aun así, el resultado es excepcional. Esta abstrusa jerga dota de gran singularidad a la pandilla protagonista, convirtiéndola en una sociedad a escala reducida, que nada tiene que ver con las personas que les rodean

Otro punto de interés de 'La naranja mecánica' es su intertextualidad. Un espectador avisado puede detectar hasta dos alusiones a '2001: Una Odisea del Espacio': una, en la elocución del vagabundo, cuando menciona que los hombres llegan a la Luna y dan vueltas en el espacio; y otra, cuando Alex entra en la tienda de discos, en cuyo mostrador se puede observar un cartel de la banda sonora de la película.

Ambas películas tienen un punto más en común: las dos siguen el principio del eterno retorno de lo idéntico nietzscheano. Para Kubrick el hombre empieza y termina destruyendo, en un viaje tan largo como el del homínido que aprende a utilizar un hueso de jumento para matar a sus semejantes y luchar por la propiedad, y que se acaba transformando con el paso de los siglos en el cosmonauta Bowman, que regresa a la Tierra con ansias de dominación. El ser humano puede evolucionar en su nivel de desarrollo, pero no puede cambiar su naturaleza.

'La naranja mecánica' es una reflexión lúcida sobre la condición cruenta y destructiva del hombre, en la que no hay lugar para la salvación. El estado de las cosas es inmutable. Ésa es la conclusión definitiva de Kubrick.

Trevor Reznik, un empleado de una fábrica, padece desde hace un año un grave problema de insomnio, un mal que él oculta y que le provoca terribles alucinaciones. Debido a la fatiga se ha deteriorado tanto su salud física como su salud mental. Repelidos por su aspecto físico, sus compañeros de trabajo primero le evitan, y después se volverán contra él cuando uno de ellos pierde un brazo en un accidente en el que Trevor se ve involucrado.

Scott Carey (Grant Williams) navega con su mujer en una lancha motora y, mientras ella va a buscar una cerveza, se ve envuelto en una extraña nube. Unos meses después, empieza a notar extraños cambios en su cuerpo: poco a poco va perdiendo peso y altura hasta hacerse casi invisible. A partir de entonces, su vida será una pesadilla, una lucha constante por la supervivencia, en la que lo cotidiano (un gato, una araña) representa para él una amenaza mortal que sólo su ingenio puede conjurar.

La película relata las desventuras de Scott Carey (Grant Williams). La historia comienza con Scott y su esposa Louise tomando el sol en un yate que navega sobre un mar en calma. Mientras que su esposa está debajo de la cubierta, una misteriosa niebla pasa por encima de él. Scott queda salpicado de partículas brillantes que se evaporan rápidamente y, durante los siguientes días, descubre que está comenzando a encoger. Primero unos pocos centímetros, después un poco más. Pronto encoge hasta convertirse en una curiosidad nacional. Su, cada día menor, altura le impide incluso llevar una convivencia normal con sus amigos, su familia, incluso con su mujer. Completamente sólo, se traslada a vivir a una casa de muñecas, pero su gato le ataca y Scott huye a la bodega buscando refugio. Su esposa, creyendo que ha sido devorado por el gato cierra la puerta del sótano y Scott queda atrapado, ya que su escaso tamaño le impide escapar y ni siquiera puede gritar pidiendo ayuda porque la voz de un ser tan diminuto como él, es inaudible. Sólo e impotente ante su situación, lucha por sobrevivir en un lugar que siempre había sido tan cercano, familiar e inofensivo, y que ahora, desde ese nuevo punto de vista, se convierte en un lugar extraño, enorme y lleno de peligros.



Al principio, podemos comprobar el sufrimiento que supone para Scott el encoger en su vida matrimonial, con todas las connotaciones sexuales que esto implica, aunque pronto esos problemas se convierten en nimiedades  comparados con lo que significa ir perdiendo todo contacto con sus semejantes y ver como los elementos más cotidianos se van convirtiendo en horribles amenazas.



Su director, Jack Arnold (“It came from outer space”, “La mujer y el monstruo”, “Tarantula”), gran artesano de películas de serie B de ciencia ficción de los años 50, contó con un muy escaso presupuesto, pero acabó realizando una gran película. Con esta película, Arnold no sólo pudo  contar una entretenida historia de ciencia ficción mediante un inteligente uso de perspectivas con la cámara, el aumento de decorados y atrezzo, y el uso de transparencias que aún hoy en día sorprenden por su calidad, sino que además supo transmitir el trascendental mensaje presente en la obra de Matheson, al relatar las angustiosas peripecias del hombre menguante, que va viendo como las cosas más insignificantes adquieren una importancia absoluta.



Muchos críticos de la época calificaron el final de la película de pretencioso para un simple producto de serie b, pero la verdad es que el desenlace es uno de los más antológicos del cine fantástico.



 Debido al éxito de la película, se planeó una secuela, donde la esposa de Scott menguaba también y se internaba en el mundo atómico con su marido. Según Matheson: “Afortunadamente, no se hizo; era el guión más estúpido que jamás he leído”, pero,al final, sí se hizo una película sobre una mujer menguante. Muchos años después, Joel Schumacher “Línea mortal”, “Jóvenes ocultos”) dirigió “The Incredible Shrinking Woman”, con Lily Tomlin (“Cómo eliminar a su jefe”, “Nashville”) como protagonista, que acabó siendo tan horrible que mucha gente ignora su existencia.

En el año 2008 la Universal anunció que estaban proyectando la realización de un remake en clave cómica junto con Imagine Entertainment y protagonizado por Eddie Murphy. Gracias a dios este proyecto se quedó en eso, en proyecto.
A principios de año supimos que la MGM ha comprado los derechos de la novela para realizar una nueva versión cinematográfica, de cuyo guión se iba a hacer cargo Matheson junto con su hijo, aunque ahora, con su muerte no sabemos si continuará  con el proyecto el hijo en solitario.

Ubicada previo a la Segunda Guerra Mundial, La vida es bella se centra en el personaje de Guido, un joven judío que llega a un pueblo de la Toscana, con la intención de abrir una librería.

En su nuevo hogar, el protagonista conoce a Dora, quien está comprometida con el fascista Ferruccio, pero a pesar de ello, es seducida por Guido y se casa con él. Juntos tienen a Josué y concretan el sueño de la librería. Sin embargo, las circunstancias van cambiando a medida que las consecuencias de la guerra se hacen presentes.

La familia es objeto de discriminación por ser judíos y aunque el padre trata de hacerle creer a su hijo que todo se trata de un juego del que son parte, la realidad los pone a prueba el día en que los tres son encerrados en un campo de exterminio nazi. Ahí, a pesar de las terribles circunstancias, Guido intenta mantener la esperanza en su familia.

El multipremiado film La vida es bella se divide en dos capítulos. El primero se basa en la exposición de diferentes situaciones en las que Roberto Beginini demuestra su estilo clown y a la vez expone las bases de su personaje. Un personaje soñador, infantil, tierno, en un entorno que parecería acompañarlo o, por lo menos, no restringirlo demasiado. Las prohibiciones y denigraciones se manifiestan en los márgenes, sin llegar a modificar severamente su mundo de fábula. Un ejemplo de esta es la exposición de un estilo chaplinesco de humor, en clara alusión al Gran Dictador, frente a una clase de chicos que esperan la llegada de un fascista para que hable de la superioridad de la raza aria por sobre las otras y sus razones. Esto le sirve de excusa para intentar conquistar a su princesa que es maestra de dicho establecimiento. Si bien es descubierto, nada grave pasa y él huye por la ventana.
Esta introducción de cuento de hadas hilvana una serie de gags de mayor o menor gracia pero que buscan ganar rápida y efectivamente la simpatía e identificación del espectador que, colmado de tanta ternura no pueda más que revalorizar las acciones posteriores. De este modo, él se queda con el amor de la princesa e ingresamos en la segunda parte que se sitúa a través de una elipsis, años después.
En esta segunda parte, la deportación a comenzado y Begnini y su familia, su princesa y un niño encantador, corren un gran peligro. Ya desde el principio, la dinámica de engaño protector del padre hacia su hijo se pone de manifiesto frente a las preguntas de éste sobre, por citar alguna, un cartel en un bar que manifiesta la prohibición de ingreso a los judíos.
Luego, la deportación del niño y su padre, frente a la que la mujer decide subir también al tren. Y la absoluta fantasía se confunde ahora directamente con el horror.

Y empieza el juego.

Resulta evidente que hay pocas cosas que pueden emocionar más que un niño inocente frente la crueldad más absoluta, como también el esfuerzo desesperado de un padre por evitar a través de todos los medios posibles el dolor de su hijo, aún en las situaciones más terribles. Estos ingredientes conforman tal vez gran parte de el éxito de este film.
Es claro que no es la voluntad de esta película el representar la vida real en los campos de exterminio. De hecho, este niño permanece con él la barraca, escondiéndose de los malos que quieren hacerles perder el juego y quedarse con el premio mayor, un tanque.
Sin embargo, aún en este planteamiento, surgen cuestiones que sobrepasan la mirada de este niño y la construcción de ésta por parte de su padre. Este padre no ha cambiado demasiado respecto a su presentación en la primera parte del film, y es esto lo que parece filtrarse en la construcción de esta historia.

No sólo el niño parece creerse la mentira confeccionada a cada instante por su padre, por el contrario, existe en este punto una importante pérdida de sentido. Y esto es así porque el mismo padre continúa ajeno a la realidad. Y esto no representa un detalle ya que para realizar esta historia, el hecho de que el padre sea totalmente conciente de la envergadura de los sucesos que lo rodean, debería funcionar como eje ficción-realidad y, como tal, funcionar como punto de referencia del espectador. Esto no significa que dentro del código planteado el padre no pueda hacer lo que hace sino, por el contrario, lo que se pone aquí en juego es desde dónde. Hasta adentrándonos en la construcción interna del relato, esto último se exige dramáticamente. Pero en la zona indeterminada que ocupa esta historia, que podría ser cualquier otra con contextos más o menos similares, esta fábula se pierde.

Años 20. Dos músicos, Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon), después de presenciar la matanza del día de San Valentín en la fría y ventosa Chicago, deciden camuflarse como mujeres en una orquesta femenina que viaja con destino a la soleada y cálida Florida….

Gloriosa farsa, sensacional juego de falsas identidades y equívocos. Billy Wilder utiliza esas claves humorísticas para parodiar el cine de gángsters y filmar una de las mejores comedias de la historia del cine. Escribe junto a su habitual colaborador I. A. L. Diamond un guión al que no le sobra ni una frase, todo es un perfecto engranaje para situar las peripecias de la travestida pareja dentro de un sinfín de situaciones desternillantes.

Wilder hilvana con maestría una escena detrás de otra ofreciendo una lección de agilidad narrativa y mostrando una cómica visión de la época de finales de los felices años veinte con diversas referencias, ya sean sociopolíticas como la ley seca, ya sean culturales en las citas a los ídolos del cine mudo Rodolfo Valentino y Ramón Novarro o al cantante Rudy Vallee. También, y a ritmo de jazz, la película destila una maligna visión del hombre desde el punto de vista femenino.

Jack Lemmon y Tony Curtis están espléndidos en sus papeles, convirtiéndose el primero en uno de los actores fetiche del director de origen austriaco. Marilyn Monroe, vestida por Orry-Kelly (quien obtuvo el Oscar al vestuario por esta película), demuestra sus cualidades como actriz de comedia y a cantar con dulzura temas clásicos como “I Wanna Be Loved By You” o “I’m Through With Love”. George Raft se autoparodia representando el papel de gángster que tantas veces había encarnado en los años 30, entre ellos en “Scarface” de Howard Hawks junto a Paul Muni.

“Nadie Es Perfecto”, la popular frase final dicha por Joe E. Brown, que interpreta a un añoso y simpático millonario que vive una estrambótica relación amorosa con Jack Lemmon (el baile entre ambos de “La Cumparsita” es un sublime momento cómico), pone fin a esta obra maestra de un director verdaderamente extraordinario.

Esta comedia negra narra la historia de Brian, un joven que tiene la mala suerte de nacer en un establo de Belén el mismo día que Jesucristo. Desde su nacimiento, su vida se sucede entre un cúmulo de desgraciadas y cómicas equivocaciones de forma paralela a la vida del Hijo de Dios. El ambiente de decadencia en el que se haya sumergida Galilea, le obligará a sobrevivir rodeado de una feminista revolucionaria y en presencia del mismísimo Poncio Pilatos...

Cuando dentro de unos veinte años os pregunten por vuestras comedias favoritas, sin duda mencionaréis una lista en la que estarán títulos como 'Un, dos, tres...' (Billy Wilder), 'El Guateque' (Blake Edwards), 'Ser o no ser' (Ernst Lubistch), 'El jovencito Frankestein' (Mel Brooks) e incluso alguno incluirá 'Resacón en Las Vegas' o 'Aterriza como puedas'. Todas son válidas. En efecto. Sin embargo, cualquier lista que configuréis no será completa de ningún modo si en ella no está una genialidad de los Monty Python. Tienen en su haber al menos dos que deberían ser nombradas en vuestras listas. Una es 'El sentido de la vida' (1983). La otra es sin duda una bestialidad humorística que marcó, y seguro que seguirá haciéndolo, a generación tras generación. Unos la descubrieron por el boca oreja que tan buen hacer a surtido a centenares de películas. Otros, quizás alguno de vosotros que leéis estas lineas, lo harán por desvelar la curiosidad que entraña este film. Lo que está claro, es que en ambos casos habréis acertado.

¿De qué va?

Año 0 de nuestra era (aunque no sé aún cómo podían saber que ése era el año 0). En Judea, la profecía sobre un mesías que llegará para liberar al pueblo judío de la opresión romana, es confundida en la humilde morada de una mujer que acaba de dar a luz a un niño. Brian, será tratado durante su vida como el mesías, sin saber bien cómo actuar en dicha situación. Todos sus movimientos están abocados a un triste final en la cruz. ¿O no?.

La crítica
Aunque la carrera de los Monty Python se desarrolló sobre todo en TV ('M.P. Flying Circus'), es indudable que su éxito les llegó a través de sus largometrajes. Con sólo cinco títulos como grupo en conjunto, ya que después habría otros films pero sin estar todos los integrantes, los Pyhton de jaron su impronta en el cine. Su estilo a la hora de hacer comedia ha sido copiado hasta la saciedad, pero con resultados pobres. El humor de esta tropa se engloba en la crítica mordaz y muy ácida de la sociedad en la que les tocó vivir (mitad de los 60 hasta comienzos de los 80).

El absurdo mezclado con pinceladas de surrealismo, unos toques de sarcasmo y mucha mala leche, hicieron de los irreverentes componentes del grupo el mayor exponente del humor británico. Es obvio que su estilo se centra en la sociedad inglesa y sus costumbres, pero poco a poco fueron englobando en sus furibundos sketchs las más diversas connotaciones. Atacaron y se rieron de todo y de todos. Política, cultura, religión, sexo...cualquier tema era tratado con pura pasión llena de ironía. En TV fueron más directos a la sociedad, pero en cine hicieron constatar su espléndida forma de entender la comedia con 'Se armó la gorda' (1971), 'Los caballeros de la mesa cuadrada...' (1975) y 'Hollywood Bowl' (1982). Pero su piedra angular es 'La vida de Brian'.

Como película, en términos cinematográficos, es pobre. Técnicamente es una sucesión de gags y chistes con un ritmo desenfrenado. De acuerdo que no innovaron nada a la hora de rodar o desarrollar la trama. Pero partiendo de un argumento como que un don nadie sea confundido con Jesucristo, ya advierte de que estamos ante algo diferente. Hoy en día, no nos llevamos las manos a la cabeza cuando alguien se mete con la Iglesia, Dios o la cristiandad, pero recordar que estamos en 1979, que la película es inglesa (conservadores puros) y que nadie, salvo Luis Buñuel, había abordado la crítica de la religión de una manera tan abierta.

Fue un éxito arrollador al instante. Destila frescura en sus diálogos (por favor, intentar verla en V.O. gana muchos enteros) y aunque la mayoría de los gags hagan referencias a la época en la que se rodó el film, el humor que contiene es universal.

Los Python, como buena 'troupe' de la comedia, en cada film abarcan varios personajes. Podemos ver a Graham Chapman (Brian) como soldado romano, mujer o rabino. A Eric Idle de ex-leproso, crucificado o militante de un partido de liberación. Y así el resto, Michael Palin, John Cleese, Terry Gilliam o Terry Jones. Éste último, fue el que asumió las tareas de director en todos los films del grupo. Su manera de rodar es bastante improvisada, casi sin rigor y sin ningún pudor de ocultar fallos en continuidad, desarrollo o colocación de cámara. Lo que dota a la película de mayor agilidad. Quizás en manos de otro componente, los títulos de los Python hubieran sido de otro calado. Pero eso, sólo el tiempo lo demostró con el ejemplo de Terry Gilliam (el más imaginativo del grupo).

El peso de la película recae en Chapman, Idle y Cleese, que son sin duda los más cómicos del conjunto británico. Sus actuaciones, o mejor dicho, caracterizaciones, son un sinfín de variedades que en muchas escenas rozan la perfección. De acuerdo que no son los Hermanos Marx, pero les faltó muy poco para poder codearse con ellos. El surrealismo que los geniales hermanos insuflaron a sus películas, es muy reconocible en el cine de los Python.

La sátira grotesca que realizan durante toda la proyección sobre el cristianismo, en todas sus vertientes, la forma en la que se ríen de fanatismos religiosos y sus consecuencias, o las escenas donde ridiculizan a gobiernos autoritarios, hacen de 'La vida de Brian' un fiel reflejo del pensamiento actual. Quizás los años han tratado mal al film. Tiene un poso de sabor añejo y trasnochado, pero su facilidad para crear risas o carcajadas no ha disminuido ni un ápice.

Desde aquí os invito a descubrir una película imprescindible en el género de la comedia. Es chocante, directa, trasgresora, audaz e inteligente. Tiene múltiples lecturas, puedes obtener lo que buscas y sin dilaciones. No engaña, ofrece una ácida visión de uno de los temas con más tabú que han rodeado al ser humano. Lo envuelve todo con el particular estilo Python, lleno de sarcasmo e irreverente flema británica. Y sexo. Mucho sexo. Explícito, con doble sentido e inmoral. Sin miramientos. Fue censurada en su día, aunque hoy en día parezca de lo más suave en su contenido.

De obligada visión para los amantes de la buena comedia y cinéfilos en particular. Cuenta con una de las escenas cómicas más comentadas, recordadas e imitadas del cine. Descubriréis a los Monty Python en la cima de su obra (imaginativa, ya que en calidad es superior 'El sentido de la vida'). Nunca antes o después fueron tan sublimes estos seis gamberros hijos de la Gran Bretaña. Y si después de verla, por alguna extraña razón en tu código genético, no te ha hecho gracia, bueno...Mira siempre el lado alegre de la vida.

Damzel veo que también eres aficionada a Hitchcock? A mi me encanta, mi favorita Crimen Perfecto.

 Una pregunta sobre cine, hace tiempo leí por aquí que iba a salir una película sobre un malinois, Max, busqué el trailer y me gustó, pero no la he visto anunciada en la tele ni nada, salió ya en el cine?

La vida de Brian - Pijus Magnificus
https://m.youtube.com/watch?v=So4BuQ7HW3Y

Damzel dijo:

La vida de Brian - Pijus Magnificus
https://m.youtube.com/watch?v=So4BuQ7HW3Y

Lol  
pero que mierda acaba de pasar  

Bajo el lema “La inteligencia es relativa”, los hermanos Coen nos traen Quemar después de leer, una curiosa historia en la que se ponen en juego elementos como el poder de la información, la privacidad y la posibilidad de enriquecerse a través de éstos. No obstante, este filme de apariencia severa se desarrolla de una forma ciertamente cómica, a través de unos personajes pintorescos que construyen situaciones ridículas y que harán de un argumento basado en el crimen un largometraje similar a Snatch: cerdos y diamantes (Guy Ritchie, 2000).


Todo empieza con el despido de Osborne Cox (John Malkovich), un agente de la CIA cuya adicción a la bebida ha alarmado a sus superiores. Por otro lado, su desconfiada mujer Katie (Tilda Swinton), preocupada por el futuro día a día de su marido, decidirá espiarle con la ayuda de un incompetente abogado para reforzar sus argumentos a la hora de pedirle el divorcio y no salir económicamente maltrecha. A partir de ese momento, una cadena de inoportunos sucesos provocarán que parte de la información confidencial de Osborne caiga en manos de dos incompetentes trabajadores de un gimnasio que pretenden beneficiarse a costa del ex-agente de la CIA.

Uno de los puntos destacables de Quemar después de leer es la técnica narrativa mediante la cual el filme lleva a los personajes a perder el control que tenían sobre sus vidas a causa de su naturaleza egoísta, creando múltiples incógnitas sobre el desarrollo de acontecimientos futuros. No obstante, este aspecto también es un problema para el espectador, que se ve inmerso en un argumento quizás demasiado enredado a causa de una constante limitación de la información. De todas formas, cabe destacar la elección de unos personajes acertados, con personalidades muy diferentes, que dan cuerda a un filme que pretende crear un final inesperado.

En definitiva una película diferente, que entretiene a la vez que divierte gracias a la combinación de dos géneros muy distintos y a la creación de un argumento que implica al espectador como cómplice de una historia cuyo final no deducirá fácilmente.

Parodia de las películas de espías, 'Top Secret!' narra en tono irreverente como una estrella musical estadounidense Nick Rivers se ve involucrado en un complot internacional. Rivers llega a una irreal Alemania del Este que se encuentra bajo el poder de los nazis, con la intención de participar en un certamen cultural. El evento es en realidad un señuelo con el que las autoridades germano-orientales pretenden distraer la atención de sus malvados planes. Rivers debe ayudar a la atractiva Hillary Flammond a encontrar a su padre, un científico que se encuentra bajo el poder de los nazis, obligado a diseñar un arma con gran poder de destrucción. El cantante norteamericano cuenta con el apoyo de un curioso comando de la resistencia francesa, casualmente por Alemania Oriental. El líder del grupo es el exnovio de Hillary, Nigel.